Música/Qué escuchar // Maria Muldaur

Muy breve apunte sobre el resurgimiento del Blues a principios de los 60's
Al igual que las bandas de rock en los años sesenta, muchos intérpretes blancos de folk y folk-rock contribuyeron a devolver la fama a los veteranos del blues, entre ellos Bob Dylan, Koerner, Ray & Glover, Eric von Schmidt, Dave van Ronk, Barbara Dane, John Fahey, Geoff & Maria Muldaur, los Lovin' Spoonful y los Youngbloods*.

*Extraido del capítulo "Estuve perdido, pero ahora me he encontrado a mi mismo. El resurgimiento del blues en los años sesenta", de Jim O'Neal, contenido en el libro "Solamente Blues. La música y sus músicos", de Lawrence Cohn. Odin Ediciones, 1994.

Tal y como cuenta Jim O'Neal, Maria Muldaur fue una pieza importante en los sesenta para ayudar a colocar al Blues en un lugar preponderante de la escena musical. Lugar que había ido perdiendo paulatinamente, sobre todo en la década anterior, a raíz de la desaparición muy poco a poco de la segregación, con motivo del terreno ganado a pulso por la comunidad negra en su lucha por los derechos civiles. 

El tono de lamento, reivindicativo o sexual, se cambia por el Gospel que va ganando terreno a partir de los años 30, e irrumpen con fuerza el Rhythm and Blues y el Rock'n'roll, a partir del 55, y a finales de los 50's comienza a despuntar otro nuevo género, el Soul, que triunfan en las ciudades, relegando al Blues a las zonas rurales del sur, y a los barrios más deprimidos de Chicago y San Francisco, principalmente. El triunfo del Folk a principios de los 60's propicia el retorno del Blues, gracias a la avidez de músicos como la familia Seeger, The New Losts City Ramblers, o Bob Dylan por recuperar la tradición de las viejas canciones, de Blues acústico y Folk de los años 20 y 30, gracias a una labor de búsqueda y recolección, que muestra a la juventud de entonces una parte del folklore americano que desconocía.

También fue muy importante la labor de los coleccionistas de discos, que se desplazaban por el país en busca de viejos 78 rpm y de sus intérpretes. Como la de los estudiosos del Blues, que publicaron libros sobre el género escritos con tal pasión por el tema que era difícil no acceder a la música después de leerlos.


Maria Grazia Rosa Domenica D'Amato y el Village
Maria Muldaur, Maria Grazia Rosa Domenica D'Amato, nació el 12 de septiembre de 1943 en, Greenwich Village, NY. En el Village hubía una actividad jazzística enorme durante su infancia y en su adolescencia se instaló el Folk, comenzando a gestarse la ebullición del Folk-rock en la primera parte de los 60, a la par que en San Francisco, y fue el hogar de Dylan en esa época.
Maria describe sus primeros años como, "Reuniones en las que tocábamos música tradicional sin parar, repletas de Bluegrass, Folk, Blues, guitarra e interpretes italianos de acordeón. Era como un festival Folk en miniatura todos los domingos por la tarde".

Maria D'Amato
Maria toca el violín, la guitarra, canta, y ha manejado con habilidad una gran variedad de músicas tradicionales norteamericanas, Jazz, Gospel, Country, R&B, Folk, Blues, a lo largo de la que es hasta la fecha, una larga y fructífera carrera, que comienza a principios de los 60's.
Maria D'Amato comenzó cantando Country con su tía a los cinco años, y en su adolescencia recorrió el R&B, el Rock'n'roll y el Pop de los grupos de chicas, llegando a formar parte de uno, durante su época de instituto, llamado The Cashmeres. Al ser de Greenwich Village, la explosión del Folk la coge de lleno y comienza a tocar en jam sessions.

Recién terminados sus estudio acude a un concierto en el que toca Doc Watson, y queda impresionada con el trabajo a la guitarra de este, y con la manera de tocar el violín de Gaither Carlton, suegro de Doc. Maria habiendo decidido convertirse en intérprete de Folk, ya había comenzado su recolección de canciones tradicionales, y convino que la mejor manera de sintonizar con el sentir popular era conviviendo con las personas que creaban esa letras y músicas, y se traslada a Carolina del Norte para aprender a tocar el violín al estilo de los Apalaches, al lado de la familia de Doc Watson y amigos.

Vuelve al Village, toca y canta en pequeños clubes y cafés y, en 1963, es invitada, por Victoria Spivey que un año antes había creado Spivey Records, a unirse a The Even Dozen Band, revivalistas del Folk, en la que estaban John Sebastian (más tarde líder de la banda de Folk-rock, Lovin' Spoonful), David Grisman, Stefan Grossman y Steve Katz (The Blues Project y Blood, Sweat & Tears). Toma contacto con el Blues en Memphis, donde adopta las maneras de Memphis Minnie. La banda se disuelve tras la edición de un Lp homónimo, editado por Elektra en 1964.

Maria se traslada a Cambridge, Massachusetts, donde había una importante escena Folk. Se une a la Jim Kweskin & The Jug Band, -las Jug Bands se habían convertido en un vehículo importante para dar a conocer la música tradicional en eso momentos-, en la que cantaba Geoff Muldaur, con quien se casa y con el que tendrá una hija, Jenni. Giran por todo el país tocando en festivales como el de Newport. Cuando la banda se separa en 1968, habiendo grabado con ellos, "Jug Band Music; Vanguard, 65", "Relax Your Mind; Vanguard, 66", "See Reverse Side; Vanguard, 67" y "Garden of Joy; Reprise, 67", la pareja se traslada a Woodstock, NY, y comienzan una carrera como duo, en Reprise, bajo el nombre de Geoff & Maria Muldaur, que dará como fruto dos Lp's, "Pottery Pie; 1968" y "Sweet Potatos; 1972". En 1972 Geoff entra a formar parte del proyecto de Paul Butterfield, Better Days, que no sólo acaba con la sociedad musical que tenía con su mujer, sino también con su matrimonio.

Maria Muldaur
Maria a pesar de las dudas decide comenzar una carrera en solitario, firma con Warner, matriz de Reprise y se muda a Los Ángeles. Graba "Maria Muldaur; Reprise, 1974", -en el que participan Ry Cooder, David Grisman y Dr. John-, en el que sin perder su aroma Folk o Jazz, flirtea con el Pop. Alcanza el número seis de las listas del Billboard y el disco de oro, con el single Midnight at the Oasis, en el cual realizaba el solo de guitarra, Amos Garrett, que colaboraría con ella en repetidas ocasiones. En enero de 1975, el sencillo I'm a Woman, -tema de Jerry Leiber y Mike Stoller que había sido éxito en 1963 en la voz de Peggy Lee-, contenido en su segundo LP, "Waitress In A Donut Shop; Reprise, 1974", alcanza el puesto 12. Graba tres discos más en el sello, con los mejores músicos de sesión de L.A., pero no volverá a alcanzar el éxito de los dos primeros.

Y, más discos, con premios y mucha calidad (Tiene unos cuantos más)
1980, lanza un disco de Gospel, "Gospel Nights; Takoma".
1983, graba "Sweet and Slow; Tudor", un álbum de Jazz y Blues que cuenta con Dr. John al piano, que también la acompañará en gira y otros discos.
1986, "Transblucency; Uptown", destila Jazz y recibe el Premio de la Crítica de The New York Times.
1990, edita "On The Sunny Side; Music For Little People", con clásicos del Country dirigidos a los niños, que es un éxito de crítica y público.
1992, firma con el sello Black Top y, a instancias de Dr. John, lanza "Louisiana Love Call", un homenaje a New Orleans, que confirma la versatilidad de Maria, y en el que la acompañan varios magníficos del lugar, además del Dr., Zachary Richard y Aaron y Charles Neville. Se convierte en el disco más vendido del sello.
1994, le sigue "Meet Me At Midnite; Black Top", que se centra en la música de Memphis, por el que ondean Funk, Soul y Blues, y que fue nominado para el premio W.C. Handy.
Vuelve a cambiar de etiqueta, graba más Jazz y Blues.
1998, lanza otro disco para niños, "Swingin' In The Rain; Music For Little People", con temas de los años 30 y 40.
1999, la pretendida colaboración con la leyenda del piano Charles Brown "Meet Me Where We Play The Blues; Telarc", se quedó en una canción compartida, por motivos de salud del viejo bluesmen texano.
2001, "Richland Woman Blues; Stony Plain", es un homenaje al Blues de los años 20 y 30, y en particular a las mujeres, en el que colabora Taj Mahal, Bonnie Raitt y Alvin "Youngblood" Heart, y que obtuvo una nominación a Mejor Álbum de Blues Tradicional.
Más canciones para niños, con temas de Shirley Temple, un homenaje a Peggy Lee, canciones de amor de Bob Dylan, "Heart of Mine: Maria Muldaur Sings Love Songs of Bob Dylan; Telarc, 2006", otro tributo a la mujer en el Blues, un disco de canciones antibelicistas, llamado "Yes We Can!; Telarc, 2008", y su última aventura para niños hasta la fecha "Barnyard Dance: Jug Band Music For Kids; Music For Little People, 2010".

Steady Love
En 1992 Maria lanzó "Louisiana Love Call; Black Top", un fantástico homenaje a la ciudad que desparrama la música por toda norteamérica, New Orleans, y no menos extraordinario es su último trabajo "Steady Love; Stony Plain, 2011", en el que vuelve a visitar las esencias de Crescent City (Ciudad de la media luna), lugar que ella llama su "Hogar musical y espiritual" .
Un disco vibrante y rebosante de Swamp Funk, mucho Gospel y sobre todo Blues, -a lo que llama Bluesiana Music-, que la versatil voz de Maria Muldaur convierte en algo tan seductor como una radiante mañana de primavera.

Steady Love ha alcanzado en número 1 en las listas de Living Blues Radio. Actualmente Maria está nominada al Premio Koko Taylor, a Mejor Artista Femenina de Blues Tradicional.

http://www.mariamuldaur.com/
Foto: Jim Kweskin Jug Band, 1963 Newport Folk Festival. De izquierda a derecha: Mel Lyman, Maria D'Amato, Geoff Muldaur, Jim Kweskin, Bill Keith. No sale en la foto: Fritz Richmond. (Wikimedia Commonds). Autor: John Byrne Cooke. www.cookephoto.com

Maria Muldaur "Steady Love; Stony Plain, 2011"

1. I'll Be Glad - Elvin Bishop, Bobby Cochran 4:44   

2. Why Are People Like That? - Bobby Charles 3:14  

3. Soulful Dress - Maurice McAlister, Terry Vali 3:08  

4. Blues Go Walking - Greg Brown 3:14  

5. I Done Made It Up in My Mind - Traditional 4:10 

6. Walk by Faith - Stephen Bruton 4:19 

7. As an Eagle Stirreth in Her Nest - Rev. William Herbert Brewster 4:27   

8. Rain Down Tears - Henry Glover, Rudy Toombs 4:33  

9. Get You Next to Me - Arthur Adams, Will Jennings 4:38  

10.  Steady Love - Greg Brown 4:21 - El tema que da título al álbum no suena a New Orleans, sino a Memphis. 

11. Don't Ever Let Nobody Drag Your Spirit Down - Eric Bibb, Charlotte Höglund 4:10 

12. Please Send Me Someone to Love - Percy Mayfield 6:27 - "A menos que el hombre ponga fin a su codicia, hostilidad y pecado/ Todo su odio y toda su violencia van a incendiar el mundo/Y esto es una vergüenza"

13. I Am Not Alone - Rick Vito 5:09 - Rick Vito a la guitarra slide y Jenni Muldaur a los coros.

Por desgracia sólo vais a poder escuchar dos canciones y media del disco, una de ellas en vivo, y dos más por sus compositores; en una de ellas canta Maria también. Lo siento.


El CD está editado en España desde octubre de 2011. Existe edición en descarga MP3.


Artículo realizado con la ayuda de allmusic.com
Folk & Blues - The Encyclopedia. Irwin Stambler & Lyndon Stambler. Tercera edición. Thomas Dunne Books. St. Martin's Press, N.Y. (2001)


Para Rubén, Pablo, Ramón, Moncho, Quique, Nando, Carlos M., Jesús.

Concierto//American Aquarium en la Sala Mardi Gras, Coruña, 29-05-2012 - 22:00h.

Desde Raleigh, Carolina del Norte llegan a Coruña, American Aquarium para hacer las delicias de tod@s los amantes del Country-rock.

American Aquarium en la Sala Mardi Gras, Coruña, 29-05-2012

Apertura de puertas 22:00 .

Entrada anticipada: 10€ en www.salamardigras.com.

Entradas taquilla:13 €

http://www.salamardigras.com/newmardi/2012/05/05/americanaquarium/

http://www.americanaquarium.net/home.cfm




Para Alfonso, Mariano.

Cine/Película//Hombres de negro III - Men in Black III. Dir.: Barry Sonnenfeld (2012) 103 min.

Comedia de extraterrestres

Si quieres pasar un rato entretenido, sin tener que darle vueltas a la cabeza y desconectar de la realidad que nos inquieta, esta es una buena opción. Además, es posible que sea la mejor película de las tres.

(Ficha Película, Barry Sonnenfeld; Tommy Lee Jones, Josh Brolin, Jemaine Clement, Emma Thompson, Michael Stuhlbarg, Alice Eve, Michael Chernus, Bill Hader, Adam Mucci, Alice Eve*, Mike Colter*, James Martin Kelly*)

B.S.O/O.S.T.: Hombres de negro III - Men in Black III. Música: Danny Elfman. Sello: Sony Classical. Edición: Descarga MP3.

1. Men in Black 3 - Main Titles 5:54 2. Spiky Bulba 2:17 3. The Set-Up 3:35 4. Headquarters 1:59 5. Regret 3:03 6. Wrong 1:02 7. Not Funny 1:48 8. Big Trouble 1:14 9. Out on a Limb 2:00 10. Time Jump 1:14 11. Bad Fortune 1:14 12. Forget Me Not 1:27 13. Into the Past 1:37 14. Griffin Steps Up 1:40 15. True Story 0:41 16. The Prize-Monocycles 3:56 17. Boris Meets Boris 1:26 18. Under the Bridge 5:51 19. The Mission Begins 5:27 20. Mission Accomplished 3:07 21. A Close One 1:33 22. Men in Black 3 - Main Title Revisited 1:33

Además: "Back In Time",  Pitbull Sello: Mr.305/Polo Grounds Music/J Records (2012) RCA Records, una sección de Sony Music Entertainment Contiene samples de "Love is Strange" de Mickey & Sylvia, compuesta por Sylvia Robinson, Bo Diddley y Mickey Baker. Formatos: CD Single y Descarga MP3

y...entre otras:

Amazing Grace

I'm an Old Cowhand, Roy Rogers

2000 Light Years from Home, The Rolling Stones 

I'm Waiting for the Man, The Velvet Underground 

Strange Brew, Cream 2,50/2,45

Para Hugo, Pablo, Jaime A.

Noticias//Inauguración Exposición "TYPE IN MOTION" - Fundación Barrié A Coruña - 24 mayo, 20:00h.

EXPOSICIÓN Type in Motion

una exposición del Museum für Gestaltung Zürich

Fundación Barrié. Sede A Coruña

24 de mayo – 23 de septiembre de 2012

La exposición Type in Motion muestra en la Fundación Barrié, desde hoy 24 de mayo, las tendencias más destacadas del Diseño actual, en el ámbito del texto en movimiento

·         “Type in motion”, una exposición del  Museum für Gestaltung Zürich (Museo de Diseño de Zurich) está compuesta por 120 obras de más de 80 diseñadores, y presenta un amplio informe sobre los importantes cambios de la comunicación y los medios en el mundo contemporáneo.

·      La muestra se completa con una amplia programación didáctica paralela gratuita, para escolares, adultos y familias con niños.

·         Durante el verano, la Fundación organizará “Verano de Diseño”, con campamentos semanales para los más pequeños.

·         “Type in Motion”, que viaja a A Coruña desde la sede de Vigo de la Fundación donde fue expuesta entre diciembre y abril, muestra una selección de vídeos musicales, películas publicitarias, cortometrajes, trailers, tablones de anuncios electrónicos y fachadas mediales, postales digitales y logotipos de todo el planeta que nos introducen en un mundo de texto en movimiento, y descubren las tendencias más destacadas.

A Coruña, 24 de mayo de 2012.- La Fundación Barrié presenta en su sede de A Coruña, Type in Motion, una exposición del Museum für Gestaltung Zürich (Museo del Diseño de Zurich) que se mostrará desde hoy, 24 de mayo hasta el 23 de septiembre de 2012. La muestra, que recibió 13.039 visitantes durante su estancia en la sede de Vigo: 7.300 visitantes en sala y 5.739 participantes en la didáctica, está comisariada por Andrés Janser, conservador del Museum für Gestaltung Zürich y será inaugurada hoy, jueves 24 de mayo (20.00 horas), por Javier López Martínez, director general de la Fundación Barrié y Christian Brändle, director del Museum für Gestaltung Zürich (Museo de Diseño de Zurich).

La exposición, que ocupa los sótanos -1 y -2 y el vestíbulo y el auditorio de la Fundación Barrié en A Coruña, se divide en seis áreas: gráficos animados, largometrajes, espacios públicos, anuncios, cortometrajes y videos musicales. Type in Motion es fruto de la colaboración de la Fundación Barrié con el Museo de Diseño de Zurich, institución con la que ya se programó, en 2007, la exposición 100 posters para un siglo, exhibida también en las dos sedes de la Fundación de Vigo y A Coruña.

Sea en la pantalla de nuestro ordenador, en la televisión o incluso en las fachadas de los edificios, debido a la digitalización de la vida cotidiana en muchas ocasiones nos encontramos ante el fenómeno de texto en movimiento. Esta exposición muestra estas nuevas maneras de “leer el mundo”.

La digitalización de la vida cotidiana ha creado una situación en la que hoy en día vemos por doquier palabras, frases e incluso textos completos en movimiento, sea en la pantalla del ordenador, en la televisión o en las fachadas de los edificios. Los diseñadores utilizan todo su ingenio para utilizar fuentes tipográficas dinámicas en una gran variedad de dispositivos. De esta manera amplían y modifican las distintas maneras que tenemos de “leer el mundo”. Reaccionamos con mayor atención, obtenemos una enorme cantidad de información, mucha de la cual se actualiza constantemente, de una superficie de pequeñas dimensiones, o nos entretenemos de una manera sorprendente. El ritmo de dichos textos a menudo se sincroniza con música o sonidos que percibimos simultáneamente.

Esta exposición, compuesta por 120 obras de más de 80 diseñadores, ofrece un amplio informe sobre los importantes cambios de la comunicación y los medios en el mundo contemporáneo y muestra por primera vez las tendencias más destacadas en el ámbito del texto en movimiento, a través de vídeos musicales, secuencias de títulos de largometrajes e instalaciones interactivas en tres dimensiones. Estos ejes centrales del extenso universo de la tipografía dinámica son rodeados de anuncios y cortometrajes, fachadas multimedia, gráficos animados para televisión y radio, postales digitales y logotipos de los más variados lugares de nuestro planeta, así como escenografías ad hoc adaptadas a los contenidos y áreas temáticas de la exposición.

Andrés Janser, historiador, conservador del Museum für Gestaltung Zürich (Museo de Diseño de Zurich) y comisario de la exposición, explica que “cuando las palabras son presentadas en forma de imagen, o viceversa, o cuando las imágenes se construyen virtualmente con palabras, la narración se vuelve más compleja, y el proceso lectivo se amplía para incluir una serie de aspectos emocionales. Concretamente, cuando la música, o de forma más general, el sonido entra a formar parte del juego, enriqueciéndolo. De hecho, el ritmo de los textos en movimiento a menudo se sincroniza con música o sonidos, apelando a más de uno de nuestros sentidos a la vez. Por otra parte, el proceso de lectura se hace más divertido cuando los textos aparecen delante de nuestros ojos de forma no lineal.”

La diferencia entre estas exposiciones objetuales dedicadas al Diseño y Type in Motion radica en que esta última es una muestra interactiva basada en la participación del público y que supone una aproximación al público más joven, y a los usuarios de formatos digitales y las nuevas tecnologías de la comunicación, tanto con el enfoque y contenidos expositivos como con las actividades didácticas programadas.

Verano de Diseño: actividades didácticas de junio a septiembre

Como en cada actividad de la Fundación y en el marco de educaBarrié, se ha diseñado un programa educativo paralelo a la exposición, gratuito, Verano de Diseño:

- Verano de Diseño. Campamentos de verano semanales,  en los que los más pequeños podrán realizar sus propias postales veraniegas y con las que participarán en el concurso “Postales Veraniegas Animadas” organizado por educaBarrié, la nueva plataforma de actividades educativas de la Fundación.

- Talleres para niños, en los que los más pequeños jugarán con las diferentes tipografías gracias a la técnica de animación stop-motion y realizarán un vídeo con los títulos de crédito de su propia película. Abecedario humano y Baile de Letras (4-5 años); Palabras en libertad (6-12 años); Pixel E-Motion (13-14 años) y Películas Tipográficas (15-17 años) son los títulos de las actividades propuestas para los menores.

- Mi Retrato con Letra: talleres para familias en fines de semana, de hora y media de duración, donde los participantes, tras visitar la exposición, experimentarán con tipografías moldeando su nombre con plastilina y dándole vida mediante la técnica de animación Claymation. Cada familia deberá aportar su propia cámara fotográfica.

-  Visitas guiadas para adultos y grupos.

- Mi forma tipográfica: talleres para adultos de martes a viernes, de hora y media de duración, donde los participantes podrán realizar animaciones tipográficas mediante la técnica de Stop-Motion.

Información e inscripciones en el tel. 981 060 095 y www.fundacionbarrie.org.

Type in Motion: distribución de los espacios

Type in Motion ocupa los sótanos -1 (gráficos animados) y -2 (espacios públicos, anuncios, cortometrajes y videos musicales) y el vestíbulo y el auditorio (largometrajes) de la Fundación Barrié en A Coruña. La exposición se divide en seis áreas:

 Videos musicales (Sótano -2)

El texto en movimiento dentro de una imagen en movimiento muchas veces mantiene una estrecha relación con la música. En el caso de los videos musicales esto se hace evidente de forma acústica y visual sobre todo en las letras de las canciones que se leen a la vez que se escuchan, intensificando ambos efectos y a veces impulsándonos a cantar al unísono. Desde el Subterranean Homesick Blues de Bob Dylan [1967], primer ejemplo de video de una canción, en el que en vez de cantar el músico deja caer folios con fragmentos de la letra de la canción, hasta los primeros videos musicales de verdad de los años ochenta, esta conexión no ha perdido un ápice de su evidente atractivo. Una serie de videoclips de artistas como Prince, Alex Gopher, No Doubt, Wir Sind Helden, Kanye West o Yello demuestran que esta novedad ha llegado a todos los géneros y estilos musicales.

La imagen de arriba pertenece a este vídeo de Alex Gopher, "The Child" (1999), de Antoine Bardout-Jacquet & Ludovic Houplain:

Cortometrajes (Sótano -2)

Los cortometrajes son muchas veces experimentales. En Dialogue Judith Poirier imprimió texto directamente sobre tiras de película de 16 y 35mm, bandas sonoras incluidas, por lo que tanto la imagen como el sonido vienen determinados por el texto. Mediante la utilización de un denso montaje de imagen, fuente, palabra y sonido en su ensayo fílmico The End of Print David Carson explora los límites de la legibilidad y al mismo tiempo aboga, con ironía, por los medios digitales. En el vídeo musical The Child, del estudio francés H5, los personajes, los objetos y los edificios se construyen en su totalidad con palabras. En el monumental cortometraje de cine negro Logorama los personajes publicitarios animados se mueven por un Los Ángeles ficticio, construido con centenares de logotipos por el mismo estudio.

La imagen pertenece al cortometraje Logorama, de François Alaux, Hervé de Crécy & Ludovic Houplain (2009)

Anuncios (Sótano -2)

El hecho de que el texto en movimiento no suele formar parte de un anuncio o película publicitaria hace que su efecto sea aún más sorprendente. Aunque, y con buen criterio, lo prioritario suele ser la claridad del mensaje, en la película publicitaria de los cigarrillos “Gauloises Blondes” se nos presenta cada vez más texto, hasta el punto de hacernos renunciar a seguir leyendo, abrumados y divertidos por partes iguales. Otra alternativa es presentar con un texto para leer que se escucha en locución simultáneamente, es decir una voz sin presencia visual –un concepto publicitario muy apropiado tanto para libros [Dingegeregeltkriegen] como para la banca telefónica [FirstDirect], donde los clientes nunca se encuentran con los empleados en persona.

Espacio público (Sótano -2)

Las fachadas mediales que cubren edificios enteros atraen nuestra atención cada vez más debido a su continuo movimiento y, muchas veces, a sus cambios de color, lo que amplía las posibilidades de la publicidad exterior, admitiendo una serie de nuevas características de gran impacto. Sus mensajes pueden ser actualizados y, cuando sea necesario, la rotación de textos permite alcanzar una alta densidad de información en un espacio limitado. Una alternativa para las grandes pantallas LED actuales, aunque por el momento sólo en prototipo, sería el Solar Display [Pantalla Solar] con sus gigantescos píxeles de células solares que pueden ser inclinadas, definiendo así el aspecto visual del sistema a la vez que suministra electricidad a la pantalla.

Gráficos animados (Sótano -1)

En aquellos gráficos animados que solo duran unos pocos segundos, la utilización de una tipografía impactante adquiere enorme relevancia. A modo de ejemplo se pueden citar los títulos de los programas de televisión o los trailers de las páginas web de los canales de televisión o emisoras de radio, los cuales deben establecer una identidad visual en el tiempo más corto posible. Lo mismo puede decirse de las felicitaciones de Año Nuevo o las invitaciones para asistir a actos que se envían por correo electrónico en la forma de animaciones, o son colgadas en una página web.

Largometrajes (Auditorio)

Los largometrajes suelen comenzar con una secuencia de títulos que, a través de su contenido y diseño, nos pone en sintonía con la obra en cuestión. El uso de texto en movimiento permite presentar de manera atractiva, y a menudo divertida, lo que muchas veces constituye una ingente cantidad de texto sobre las personas que intervienen en la creación de la película y sus respectivas funciones. En este sentido, la película Catch Me If You Can [Atrápame si puedes] demuestra una particular elegancia narrativa: en retrospectiva, una vez terminada la película, la secuencia de títulos resulta ser un breve resumen de la historia contada.

Andres Jansen, comisario de la exposición

Dr. Andres Janser es historiador de arte, arquitectura y cine. Además, es Conservador del Museo de Diseño de Zurich y profesor en la Universidad de las Artes de Zurich desde 2003. Anteriormente había sido editor de la revista archithese e investigador en el Instituto para la Historia y la Teoría de la Arquitectura (Institut gta), perteneciente al Instituto Federal de la Tecnología de Suiza en Zurich.

Sus exposiciones y publicaciones sobre la arquitectura, cine y comunicación visual incluyen: Hans Richter: New Living – Architecture, Film, Space [Hans Richter: La Nueva Vivienda – arquitectura, cine, espacio] (2001), Typotecture [Tipotectura] (2002), Fresh Type [Tipografía fresca] (2004), Spacetricks [Trucos con el espacio] (2005), Chris Marker: A Farewell to Movies [Chris Marker: un adiós al cine] (2008), Corporate Diversity – Swiss Graphic Design and Advertising by Geigy 1940–1970 [Diversidad Corporativa – el diseño gráfico en Suiza y la publicidad de Geigy] (2009, con Barbara Junod), Charlotte Perriand – Designer, Photographer, Activist [Charlotte Perriand – diseñadora, fotógrafo, activista] (2010), Type in Motion [Textos en movimiento] (2011), High-Rise – Idea and Reality [Construir en altura – la idea y la realidad] (2011) y próximamente: It Truly Pays – The Crime Film [Sí que paga – el cine negro] (2012).

El Museo de Diseño de Zurich

El Museo de Diseño de Zurich es, desde su creación en 1875, líder en diseño y comunicación visual de Suiza y recibe anualmente a más de 60.000 visitantes. Desde 1920 comparte instalaciones y colabora estrechamente con la Universidad de las Artes de la capital suiza. En sus exposiciones, el Museo del Diseño muestra tanto la herencia estética de los siglos XIX y XX, como las últimas tendencias del diseño actual en todas las áreas que conforman la vida cotidiana (fotografía, cine, moda, mobiliario, tipografía…).

Con su programa expositivo, colecciones, seminarios y publicaciones, el Museo ejerce simultáneamente de laboratorio, archivo y foro de debate sobre el diseño, la arquitectura y la comunicación visual, integrando en su actividad la investigación, el coleccionismo y la divulgación.

La Fundación Barrié y su apuesta por el diseño

Con Type in Motion, la Fundación continúa su apuesta por el ámbito del diseño, uno de los ejes de su línea expositiva junto al Patrimonio, la Arquitectura y la Fotografía, y que ha acercado a Galicia en los últimos años exposiciones como ANTICUERPOS. Obras de Fernando & Humberto Campana 1989–2009, mostrada en el verano de 2010 simultáneamente en Vigo y A Coruña; George Nelson. Arquitecto, autor, diseñador, maestro, en 2009 en A Coruña; o Diseño holandés. En la calle como en casa. Binnen/buiten, exhibida en Vigo en 2009 tras su paso por la sede de A Coruña. Las muestras dedicadas por la Fundación al diseño escandinavo (2006-2007), a Marcel Breuer (2005) o a Verner Panton (2002) completan la selección de exposiciones sobre diseño en la última década.

Desde 2002 hasta la actualidad, 175.000 personas han atendido la invitación de la Fundación Barrié para acercarse al diseño, a través de las visitas a nuestras salas o a las propuestas didácticas paralelas, tanto en Vigo como en A Coruña.

Exposición Type in Motion/ Entrada gratuita / Horario de exposición: martes a domingo, festivos incluidos: de 12:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00 h.

www.fundacionbarrie.org   /   www.museum-gestaltung.ch

Música/Qué escuchar // Ry Cooder y Manuel Galbán

Si quieres saber sobre Ry Cooder pincha aqui, viajarás hacia otro artículo de este blog.

Manuel Galbán. La historia de alguien único

Manuel Hilario Galbán Torralbas nació en Gibara, Holguín, Oriente, el 14 de enero de 1931 y murió en La Habana el 7 de julio de 2011, a la edad de 80 años de un paro cardíaco.
A muy temprana edad comenzó a tocar el tres y la guitarra, "Mi papá tocaba el tres y yo descargaba con otros dos hermanos. Vine con la música adentro y muchos de los instrumentos los aprendí solito en pena"*. A los 13 años ya tocaba con la Orquesta Villa Blanca, "Tocaba la guitarra o la batería y cuando se podía lo hacía en el piano"*. En 1956 se establece en La Habana, "Como afinador de pianos; además soy carpintero, grababa jingles, tocaba acompañamiento a cualquiera, a Evelio Rodríguez, a Lino Borjes y a otros"*. También arropó con su guitarra a Caridad Hierrezuelo, cuyo hermano, el trovador Reinaldo (Rey Caney), más tarde director de la Vieja Trova Santiaguera, y el compositor Rolando Vergara contactan con él y le proponen entrar en Los Zafiros, en sustitución del guitarrista original.

En 1963 se une al citado grupo vocal, conocidos como los Platters cubanos, estandarte de la música de la Isla en los 60's. Creados en diciembre de 1962, interpretaban Doo Wop, Calipso, Bossa Nova y Rock, con el "acento cubano" de la música autóctona, como el Bolero. "Yo los acompañaba con la guitarra y ayudaba a Kike (Leoncio Morúa) a montar las voces, por lo cual me nombraron director por mis dominios en la música"*. Relataría en una entrevista con Rafael Lam, para el periódico Cubarte, "...Días de vino y rosas, era la década prodigiosa de 1960, en la que imperaba en el mundo el sonido eléctrico de Los Beatles. Nosotros, con sólo una guitarra y cuatro voces, pusimos a gozar a Cuba y a algunos países que visitamos en 1965. En el Olympia de París, donde no canta cualquiera, nos aplaudieron nueve minutos".
"... La delegación contaba con 120 integrantes ... Los Zafiros interpretaron tres piezas y la ovación fue estruendosa ... En el fastuoso cabaret Lido de París, el director de la orquesta del cabaret le tocó la garganta a Ignacio, -era superior al Tony William de Los Platters-, no podía creer la maravilla de aquella voz"***.
"En el Olympia de París, la noche que actuamos, los Beatles estaban entre el público, me dijeron que a Lennon le gustaron los punteos de mi guitarra"**.

Su forma de tocar la guitarra, a la que sacaba una sonoridad seca cercana a la percusión, impresiona a todo el mundo y el cantante Miguel Cancio (Miguelito), le comenta, "Galbán, a partir de ahora trabajarás con nosotros, eres exactamente lo que buscábamos". El famoso pianista cubano Peruchín comentó a Tata Güines (que tocaba la tumbadora con Los Zafiros), a raíz de un rumor de que Manuel podría ser sustituido, "El día en que Galbán deje de acompañar a Los Zafiros, entonces tendrán que buscarse dos o tres guitarristas", a lo que respondió el percusionista, "Tienes razón, a veces en las grabaciones es del carajo seguirlo"**. Abandona el grupo en 1972.

"Fundé el grupo Batey en 1973, en la época en que surgieron Los Irakere y viajamos más que ellos posiblemente: recorrimos 66 países de cuatro continentes, qué te parece. Aquello era pura música popular cubana"*.
"En marzo de 1998 nuevamente Reinaldo Hierrezuelo me tiene en cuenta, comienzo como guitarrista con la Vieja Trova Santiaguera"***, con quienes edita dos álbumes, "La Manigua; 1998", Disco de Oro en España y "Dominó; 2000", colabora con Ry Cooder en distintos proyectos relacionados con Buena Vista Social Club, y se le puede ver en el famoso documental que realizó el director alemán Win Wenders, sobre la gira que realizaron las viejas glorias de Cuba que conformaban la, ahora archiconocida, orquesta, "Buena Vista Social Club; 1999". También se le puede escuchar en el disco de Orlando "Cachaito" Ortiz "Cachaito; 2001", y en álbumes de Buena Vista en los que no está implicado el guitarrista de Los Ángeles, (Omara Portuondo en 2000, Manuel "Guajiro" Mirabal en 2005).
Manuel Galbán tocaba una Fender Telecaster, a la que sacaba un sonido cercano al de Duane Eddy y los primeros guitarristas de Surf. Se le conocía como el Duane Eddy cubano; a lo que él respondía, "Ese fue un gesto amable de la crítica internacional"***.
Manuel fue uno de los introductores de la guitarra eléctrica en las orquestas cubanas.

El actor y director Roly Peña realizó un documental con Galbán llamado "Navegando en un pentagrama"(2010).

"Adoro mi patria, mi música y mi familia", termina diciendo en uno de sus documentales, "Soy un músico realizado, de vez en cuando viajo a Gibara para comer arroz con jaiba y descargar entre amigos de siempre".

Manuel pidió que le dieran todo en vida, "Porque arriba hay muchas nubes y no se ve nada".

"No he dejado de trabajar jamás. El triunfo llega solo después de tanto esfuerzo. Yo tocaba por amor a la música y el amor es el mejor pago que hay en la vida"*.

"Manuel Galbán fue un guitarrista fuera de lo común, que no usó el instrumento como la agrupación de seis cuerdas, sino con una concepción orquestal que unía todos los timbres, ritmos y armonías; su muerte en una pérdida para la música cubana".
"Sus combinaciones daban la sensación de que uno estaba escuchando a una orquesta... Su concepto de acompañamiento y su versatilidad lo hacen uno de los grandes guitarristas de este país, a estas alturas, insustituible. De ese corte no hay otro guitarrista en Cuba".
(Declaraciones del investigador Radamés Giro al diario mexicano La Jornada).

"El Señor Galbán fue una de las maravillas de la música cubana en los 60's. Su forma de tocar reunía dos enfoques casi contradictorios: la reverberación flotante de la guitarra surf y el sonido de percusión brusco del tres, esa pequeña guitarra que es el punto de apoyo entre el ritmo y la melodía en los grupos de Son cubano". (Escrito por Jon Pareles de The New York Times, en 2003)

"Combino pasajes rápidos con arpegios, al tiempo que hago un uso adecuado de las cuerdas graves. De esa manera da la impresión que está tocando más de un músico". (De Peter Keepnews en The New York Times, 8-7-2011. Extracto de una entrevista a Manuel Galbán publicada por Granma en su web, en inglés)
"Fijo la sincronización y hago que se desvanezcan las cuerdas con la otra mano, es un truco que aprendí acompañando a Kike (Leoncio Morúa) que cantaba con los Zafiros".

"Absolutamente único. Un tesoro de la música cubana. Insustituible". (Nick Gold, World Circuit Records)

Mambo Sinuendo. La magia de los 50's

Disco que inaugura la andadura del sello de Ry Cooder, Perro Verde. Grabado en 2002 en los estudios Egrem en La Habana, Cuba, retocado en Los Ángeles y masterizado en Londres, se edita a principios de 2003, casi a la par que el segundo disco como solista que Ry le produjo a Ibrahim Ferrer, "Buenos hermanos; World Circuit, 2003", con el que comparte alguno de sus músicos, el percusionista Miguel "Angá" Díaz, Orlando "Cachaito" López al bajo, Jim Keltner y Joachim Cooder a la batería, y por supuesto, el genial guitarrista, Manuel Galbán que comparte autoría y letras de molde en la portada del disco. "Mambo Sinuendo fue una proeza, lo hicimos en quince días, mientras grababa con Ibrahím Ferrer"***, comentó Manuel.

Manuel con Ibrahím Ferrer

Un álbum que ganaría el Grammy a Mejor Álbum Pop Instrumental, que fue elegido por la revista Down Beat como "Mejor Álbum Revelación" de 2003, y del que comenta Cooder, "Galbán y yo pensamos que había un sonido que no había sido explorado; una banda cubana de guitarra eléctrica, que pudiese volver a recrear el ambiente de la década de 1950 con belleza, agilidad y sencillez. Decidimos hacerlo con dos eléctricas, dos baterías, congas y bajo: un sexteto que tuviese el swing de una big band y que penetrase en los misterios de las melodías clásicas. Esta música es poderosa, lírica y divertida, ¿qué más se puede pedir?". (El Son cubano que se interpretaba en formato de trío, pasó en una segunda etapa a hacerlo como un sexteto, formado por tres, guitarra, bongo, contrabajo y dos vocalistas, que tocaban la clave y las maracas.)
A la pregunta realizada por un redactor del diario La Jornada, ¿Cuál es el secreto de su guitarra en el Son?, Galbán respondió, "En el Son la guitarra es convencional, de caja. Yo tengo mucho cuidado cuando toco mi guitarra eléctrica, porque hay veces que lo hago para imitar el tres. No sólo acompaño los acordes, sino que hago el tres para no separarme del Son".

Un trabajo en el que se aprecia la maestría de dos músicos descomunales, su buen gusto, el cariño y la calidez que imprimen al trabajo que realizan.

Ry Cooder dijo, "Lo invité a grabar Mambo Sinuendo en 2002 porque desde que lo escuché, supe que tenía frente a mí a un guitarrista muy singular".
Tambien lo definió como, "Mago de la guitarra".

Con respecto al motivo de la grabación de "Mambo Sinuendo", comentó a Diego A. Manrique, "Imaginábamos la música que podría haber surgido en los sesenta, de no ocurrir la ruptura entre Cuba y Estados Unidos".

(De un artículo de Diego A. Manrique. http://elpais.com/diario/2011/09/30/cultura/1317333603_850215.html)

*De una entrevista concedida a Rafael Lam, publicada en Cubahora (http://old.cubahora.cu)
**Del artículo "El mambo ondulado y coral de Manuel Galbán, de Carlos Olivares Baró, en cubaEncuEntro (http://www.cubaencuentro.com)
***De una entrevista realizada por Rafael Lam, publicada en Akerunoticias (http://akerunoticias.com)

Ry Cooder y Manuel Galban "Mambo Sinuendo; Perro Verde/World Circuit - Nonesuch, 2003"



1. Drume Negrita - Eliseo Grenet 5:00 // Grenet, pianista y compositor cubano, es célebre además de por esta preciosa nana, por ser el artífice de la famosa canción Ay, Mamá Inés. Compuso música para películas y zarzuelas.
2. Monte Adentro - Arsenio Rodríguez 2:53
3. Los Twangueros - Manuel Galbán, Ry Cooder 4:42 // La guitarra de Manuel Galbán rememora el sonido de las bandas de Surf de los 60's.
4. Patricia - Perez Prado 3:29 // Una de las composiciones más representativas y populares del "Rey del Mambo", el cubano Dámaso Perez Prado, y que grabó en repetidas ocasiones con diferentes arreglos. Máximo representante del Mambo, género que triunfó en los U.S. a principios de los 50's, hasta que el Cha-cha-chá lo desbancó, tal y como cantaba, otra cubana, Celia Cruz:
El Mambo hizo furor en Nueva York
pero el Cha-cha-chá lo derrotó
5. Caballo Viejo - Simón Díaz 3:51 // Quizás el tema por el que más se conoce en todo el mundo al gran músico, compositor e intérprete venezolano, Simón Díaz.
6. Mambo Sinuendo - Manuel Galbán, Ry Cooder, Joachim Cooder 2:31 // La sonoridad de la música de la segunda mitad de los 50's y principios de los 60's queda reflejada en este tema, que recupera el extraordinario sonido de las orquestas de música Lounge de la época, como la del mexicano Juan García Esquivel, por ejemplo, y que cuenta con la inestimable colaboración del legendario trompetista Herb Alpert.
7. Bodas de Oro - Electo Rosell "Chopín" 4:40
8. Échale Salsita - Ignacio Piñeiro 4:27 // El Son es lo que da vida y lo que identifica a la llamada "Isla de la Música", en la segunda década del S.XX pasó de estar interpretado por un Trío a ser ejecutado por un Sexteto, que se componía de tres, guitarra, bongo, contrabajo y dos vocalistas, que tocaban la clave y las maracas. La adición de una trompeta a finales de los años 20 hace que el Son evolucione hacia el Swing. En 1927 el Septeto Nacional, bajo la dirección de Ignacio Piñeiro, interpreta la famosa composición de este Échale salsita, que fue adaptada por George Gershwing para su Cuban Overture. Se baraja la posibilidad de que el género musical Salsa derive del título de este tema.
9. La Luna en Tu Mirada - Luis Chanivecky 4:13
10. Secret Love - Sammy Fain, Paul-Francis Webster 5:49
11. Bolero Sonámbulo - Manuel Galbán, Ry Cooder 4:31
12. María la Lo - Ernesto Lecuona 4:19 // Ernesto, virtuoso pianista, instrumento que le enseñó a tocar su hermana Ernestina, y compositor cubano, como ya dijimos la semana pasada al escuchar "Buenos hermanos; World Circuit, 2003" de Ibrahim Ferrer, compuso la zarzuela María la O, a la que pertenece este tema. Ernestina fue una consumada escritora de Boleros.

El disco, en su momento, salió a la venta en CD y Vinilo.
En breve se pondrá a la venta un disco de Manuel Galbán como solista, "Blue Cha Cha; Concord Jazz"(CD+DVD), en principio a finales del próximo mes. Un proyecto en el que tenía puestas sus ilusiones, y en el que estaba trabajando cuando sufrió un infarto en su casa de La Habana, el 7 de julio del año pasado.


Para Marta, Pablo, Carlos M., Pepe T., Juan, Valentín.